Näyttelykatsaus | Camilla Vuorenmaan aloittaminen yleisössä ”Areena”

\ Artist | Camilla Vuorenmaa (s. 1979) valmistui Suomen Kuvataideakatemian maalaamon osastolta vuonna 2005. Vuorenmaa voitti Suomen Kuvataideakatemian palkinnon vuonna 2015, palkinnon, joka sisälsi myös hänen teostensa yksityisnäyttelyn EMMAssa – Espoo Nykytaiteen museo vuonna 2016.

Näyttely | CAMILLA VUORENMAA Areena | Foorumin laatikko | 5. tammikuuta – 29. tammikuuta

Kuvat | Taiteilijan ja Forum Box -galleria: Kuvahyvitykset: Anna Autio ja Jussi Tiainen

Ehkä ei ole Areenan – Camilla Vuorenmaan viimeisimmän näyttelyn Helsingissä – näyttämistä parempaa kuin Forum Box. Foorumi näyttää ja tuntuu paljon areenalta, koska se on avoimessa tilassaan ja kontrastisesti tummassa maanalaisessa ympäristössä. Voidaan kuvitella ympäröivän korkean amfiteatterityylisen istumapaikan, jossa kärsimätön katsoja odottaa viihdyttävänsä.

Mutta sinä, taidenäyttelijä, olette siellä taiteilijoiden, heidän luomuksensa ja hahmojensa kanssa, kaiken kaatumisena.

Näyttelynäkymä – Camilla Vuorenmaa “Areena” Forum Boxissa | Kuva: Anna Autio

Areena paljastaa sirkusmaailman ja keskittyy erityisesti sirkustyöntekijöihin, ihmisiin, jotka herättävät elämää upeita, henkeäsalpaavia ja usein vaarallisia esityksiä. Vuorenmaan näyttely asettaa kysymyksen ikuisen viihdyttäjän olemassaolosta: Millainen elämä ja työ on loputon viihde yleisölle?

Kuten taiteilija itse toteaa, uteliaisuus sirkus työntekijöiden elämää kohtaan vei hänen omasta kokemuksestaan ​​taiteilijana: ”Yksi syistä näyttelyn aiheeseen oli oma näyttämönsärky ja oma henkilökohtainen kokemus” olla areenalla ” ‘. Niin kutsuttu esitykseni ilmentyy pääosin esittämällä taideteoksiani yleisölle. Työhöni kuuluu myös avoimia keskusteluja ja kysymyksiin vastaamista jokaisen näytöksen ympärillä. Työnani saatava palaute on tietenkin palautetta henkilökohtaisesta näkemyksestän ympäröivään maailmaan, joten myös tästä prosessista tulee hyvin henkilökohtainen. ”

Tämä ei ole ensimmäinen kerta, kun Vuorenmaa lähestyy tietyn yhteisön elämää. Taiteilija esitteli vuoden 2016 näyttelyssään EMMAssa – Espoon modernin taiteen museossa – meren kalastajien muotokuvia erottaa meidät. Vuorenmaa viettää tyypillisesti jokaisen tutkimuksensa yhteydessä työskentelevän yhteisön kanssa tutkiessaan ihmishenkeä tietyissä olosuhteissa tai olosuhteissa. Tuloksena on hänen oma röntgenkuvaus yhteisöstä ja siihen osallistuvista ihmisistä.

”Mietin tämän sarjan osalta, kuinka haavoittuvat performanssitaiteilijat ovat ammatissaan. Ajattelin myös ”show” -konseptin pitkää historiaa – jota tarjotaan yleisölle erittäin visuaalisella tasolla nyt enemmän kuin koskaan ennen ”, Vuorenmaa sanoo.

Taiteilija kutsuu meidät askelmaan sirkuksen elämään näkymättömänä matkustajana samalla tavalla kuin hän itse suoritti tutkimustaan ​​tämän nimenomaisen yhteisön läsnäollessa.

Sirkusmaailma menettää suuren osan glamouristaan ​​Vuorenmaan maalauksissa, jotka vaativat paljastamaan vain kulissien takana näkyvän mikrouniversumin.

Vuorenmaan estetiikka ei ole helppoa eikä sitä pidä ottaa kevyesti. Hän käsittelee usein sitä, mikä on pinnan alla, kuvaamiensa kasvojen takana. Hänen hahmonsa on usein mallinnettu ja joskus deformoitunut tarttumaan kohtaamisen ytimeen.

Jotkut teokset tuntuvat raskailta, pastelliväreistä huolimatta. Muutamassa maalauksessa vallitsevat valkoiset taustat paljastavat jossain määrin vapautumisen sävellyksessä – ikään kuin taiteilija yrittää antaa tilaa sellaiselle, jonka katsoja voi edelleen löytää.

Vuorenmaa keksi muotokuvan omassa tyylinsä kanssa. Hän yrittää kaapata jotain, joka on pinnan alla, katsomalla suoraan kohteen sydämeen. Muoto ja sisältö sulautuvat teoksiin, jotka vangitsevat katsojan mielikuvituksen. Osa tästä kohtaamisesta on sekaannusta. Kun pystymme muodostamaan yhteyden hahmoon ja tuntemaan sitä, sekaannuksesta tulee löytön iloa.

Vuorenmaan teokset eivät palvele helppoa tulkintaa tai kuvia. Se tulee pikemminkin tarkan havainnon seurauksena. Ikärajoitetut linjat ja sydäntä rikkova melankolia pelleissä, Acrobatin groteski kauneus, omituisen näköinen vanha nainen, jolla on tyttömäinen vartalo koiratytössä. Kaikki tämä on luonteeltaan syvästi subjektiivista, eikä ole mitään oikeaa tapaa tavata Vuorenmaan hahmoja. Taiteilija antaa katsojille täyden vapauden tehdä omia kohtaamisia.

Muinaisina aikoina sirkukset olivat paikkoja niin kutsuttuille ”lakille” – henkilöille, jotka eivät ole helposti löytäneet paikkaa arjessa ja jotka lopulta löytävät paikkansa sirkuksessa. Olin kiinnostunut saamaan näkemyksen sirkuksen ihmisten toiminnasta tänään. Oli mahtavaa nähdä, kuinka vaativa sirkushenkilökunnan työ on ja kulissien takana oleva vaatimaton ympäristö.

Tämä kokemus sai minut pohtimaan sitä tosiasiaa, että jokaisen alan taiteilijoilla on oltava intohimo itse teokseen. Se sai minut ajattelemaan myös sirkussa työskentelemisen vapautta, ja monikansallinen, monikulttuurinen ja matkapohjainen ympäristö, jota sirkus luonnollisesti tarjoaa työntekijöilleen. Nautin nähdessäni sirkusyhteistyöntekijöiden läheisiä suhteita eläimiin – vastoin yleistä käsitystä heitä kohdeltiin hyvin ja ystävällisesti. Sirkusesitys on vanha ja hieno ammatti, joka on inspiroinut monia taiteilijoita ennen minua ”, Vuorenmaa sanoo.

Kaiken kaikkiaan Areenassa on maalauksia, kaksi puutyötä (aiemmin myös näytteillä EMMA: ssa) ja UV-maalaus, joka näkyy pimeässä Forum Boxin takahuoneessa. Tämän jälkimmäisen teoksen fluoresoivat, kirkkaat värit kuvaavat taiteilijan kokemusta Brighton Pieristä Yhdistyneessä kuningaskunnassa – paikassa, joka menetti vanhan päivänsa viehätysvoiman rahaa tuottaviin konepaikkoihin massiivisen viihteen vuoksi. Lähikuva siitä, kuinka uudet ‘hauskan’ pop-up-aallot tulevat suosituiksi nykyajan todellisuudessa.

Sirkus-, esitys- ja viihdemaailman ulkopuolella Areena tuo keskusteluun kaikenlaisen taiteellisen työn julkisen kontekstin. Erittäin luovilla henkilöillä taiteilijoilla on myös erittäin herkkä sielu. Jatkuvan valvonnan alla niin yleisön kuin mediankin silmissä on oltava toisinaan uskomattoman vaikea ja haastava.

Rohkeus näyttää teoksia siitä huolimatta, että se saa murskaavaa kritiikkiä, asettaa taiteilijat esiin eräinä rohkeimmista ammattilaisista.

Näyttelykatsaus | Worlds Colliding In Jonah Kota’s Virtualized Sceneries

Semiotiikka – jota kutsutaan myös merkityksen tekemisen tutkimiseksi – oli aiemmin suosikkikurssini viestinnän koulussa. Vasta huomattavasti myöhemmin tajusin, että semiootiikka voi perustavanlaatuisesti muuttaa tapana, jolla havaitsemme ja ymmärrämme ympäröivää maailmaa. Kaikesta tulee paljon suhteellisempaa, merkitykset ja ideat ovat sujuvampia, joustavampia ja vähemmän rajoittavia.

Kielenä itsessään visuaalinen taide ladataan teoksille koodatuilla merkkisarjoilla ja symboleilla. Heidän tulkintansa määrää vahva korrelaatio katsojien referenssijärjestelmän, kulttuuritaustan tai kokemusten kanssa. Me näemme sen, mitä silmämme on koulutettu näkemään. Pyrkiessään ymmärtämään sitä, mikä meillä on edessämme, koodaamme usein kuvia aiemmin asetetun ajattelutavan mukaan.

Se oli myös semiotiikka, joka herätti ensin kiinnostukseni Joonas Kotan teoksiin. Hänen nykyinen näyttelynsä Zetterberg-galleriassa, virtualisoidut maisemat, keskittyy visuaalisen kuvan ja sen merkityksen väliseen tilaan.

Mitä tapahtuu, jos yritämme poistaa referenssijärjestelmämme? Onko edes mahdollista lukea teosta, kun emme pysty kääntämään sitä tutulle kielelle?

Kota esittelee kolme teossarjaa, jotka kaikki ovat abstraktien ja kuvioiden välisiä: Rajat ylittävät timantit, Broken Forests ja Hajoavat Emoji-kuvakkeet. Otsikot viittaavat jo riittämättömyyteen. Mikään ei ole sitä, mikä näyttää olevan Kotan maailmoissa, joissa todellisuus itsessään, symbolinen todellisuus ja transsendenttinen kohtaavat ja muuttuvat keskenään.

Transsendentit timantit ovat öljyä puutöissä, huolella muotoiltu arvokkaiden jalokivien muotoon ja ulkonäköön. Kaukaa katsottuna voitaisiin vannoa, että timantit ovat kolmiulotteisia, mutta illuusio kesyttää ja pinta tasoittuu vähitellen lähestyessäsi niitä.

Kota on työssään laskennallinen, tarkka ja huolellinen. Jokainen maalattu timantti on metakuva, kuva toisessa kuvassa. Juuri täällä todellisuuden, symbolien ja transsendentaalien väliset rajat häviävät ja kaikki ulottuvuudet yhtyvät, vain osittain uudelleen muutamaa sekuntia myöhemmin.

Läsnäolo ja tarkka tarkkailu ovat välttämättömiä, koska Kotan teokset eivät paljasta itseään säästävällä silmäyksellä. Timanttien puhtaan leikkauksen upotettujen rauhallisten maisemien ja kuvioelementtien löytäminen vie aikaa, kärsivällisyyttä ja hiljaisuutta.

Hajotetut metsät lähtevät matta mustasta taustasta pehmeissä sinisissä, turkoosi, punaisissa, vihreissä ja keltaisissa hohtavissa laajoissa kankaissa. Silmät harjaavat hitaasti kunkin teoksen pintaa etsittäessä tunnistettavia muotoja. Lopuksi lehdet, vedet ja puiden varjot asettuvat sisään, ohjaten katseen kohti tuttuja luonnonkuvia.

Silti – kuvat eivät ole kaukana valmista, eikä niistä tarttuminen ole ilman taistelua. Kotan ammattitaitoinen käsi siirtää havaintosyvyyttä jokaisessa elementissä. Kun ne ilmestyvät ja häviävät pimeydestä, hohtimista tulee erittäin varautuneita ja dynaamisia.

Joukko ylimitoitettuja hajoavia hymiöitä odottaa virtuaalikeskustelua täydellisestä loma-stereotyypistä. Valtameren aalto, palmu ja siivu melonia – meriloman hienon loman symboleja – näyttävät positiiviselta iloiselta, kunnes törmäät niiden pinnalla oleviin tummiin, tahroihin maisemiin. Hienovaraiset kuvat paljastavat lauhkean sään, asettamansa kuoren vastakkaisessa peiliheijastuksessa. Mieli etenee ja menee kiinni suureen aukkoon näiden kahden vastakkaisen maailman välillä.

Kota-teoksilla on riippumatta siitä, mihin sarjaan ne kuuluvat, Kota-teoksilla on yksi yhteinen erottuva elementti: valo. Valo, joka vapauttaa pilvistä taivaan synkkässä maisemassa, joka murtaa jalokiven ja lävistyksen kovan pinnan mustien raskaiden massojen läpi. Se loistaa voitolla toisella puolella ja – jos vain hetkeksi – se saattaa antaa meille hemmottelua jumalalliselle.